YADY: 2011

IDEAS PRINCIPALES

Anteriormente los objetos estaban sumergidos en la cotidianidad. Luego, cuando fueron transformados, surgieron interrogantes sobre su contemplación estética. ¿Por qué las cajas de brillo de Warhol eran obras de arte, mientras que sus banales homólogos, en los almacenes y supermercados de toda la cristiandad, no lo eran? Porque poseían una definición especial y única que las diferenciaba del resto.

“Porque es un rasgo característico de toda clase de objetos, de los cuales las obras de arte componen un subconjunto, que son lo que son porque son interpretados como lo son. En la medida en que no todos los miembros de esta categoría son obras de arte. No todas las interpretaciones, son interpretaciones artísticas”

Alguna definición debe acompañar a las cajas de brillo, para que estas sean consideradas como tal. Sin embargo el problema en sí surge de la misma definición del arte.Las cajas de brillo de Andy Warhol, convierten en irrelevantes las definiciones tradicionales de arte. Por lo cual se ve la necesidad de la teorización del arte. De esta manera las obras pueden ser identificadas como arte o no. Dado que nada es una obra de arte, sin que se la constituya como tal.

El problema en sí se basa en el fenómeno de los homólogos indiscernibles que pertenecen a distintos órdenes ontológicos y que tan solo surge cuando uno de los elementos a confundir tiene una cualidad representativa, en que al menos uno de los homólogos remite a algo, o tiene un contenido, un tema o un significado.

¿Cómo distinguimos a las obras de arte de las demás representaciones? ¿Qué tenemos que añadirle al concepto de representatividad que sirva para marcar la diferencia entre las obras de arte y las demás representaciones? El método de hallar homólogos indiscernibles también tiene aplicación aquí. La pregunta es que convierte a una en una obra de arte y a la otra no. Lo que se refiere específicamente a algo intrínseco en ese objeto y que va más allá de lo material.

DOS IDEAS APLICADAS A NUESTRO MEDIO:

· Cuando nos encontramos frente a un patrimonio cultural lo que vemos es la historia y la identidad de un pueblo, todo esto contiene a la obra que representa esa imagen de la cultura, nosotros tratamos de mantener estas ideas, mantener su contenido, dando al espectador o al pueblo dueño de esta identidad, un grado de orgullo, un sentimiento de poder, con esto llegamos al espectador que ve la transparencia en aquel objeto.

· Al momento de tener en nuestras manos una obra de arte fruto de un artista reconocido, amado por la gente reconoceremos que puede tratarse de un símbolo en el estilo de la pintura, tratamos de rescatar su contenido , tratamos de mantener el alto el nombre del artista ya se ha cualquier obra que se presenta ya que su nombre a sido de inspiración para muchos mas artistas, creo que si somos curadores optaremos por enaltecer su vida, su obra, ya se ha con frases, predicados que den una ilusión al espectador, que llegue al sentimiento de todas las clases sociales , podemos con esto incentivar y promover más al artista con simples palabras ilusionistas.

COMENTARIO

Es difícil entender el sutil milagro de transformar en obras de arte objetos banales de lo cotidiano.

Esta idea es difícil de concebir, ya que, si situamos a estos objetos poco edificantes en una cierta distancia estética, es probable apreciar sus acciones, su objetivo para el cual fueron fabricados, entendiéndolos como incapaces de ser para algún goce estético, lo que nos lleva a pensar que la belleza se la pueda encontrar en sitios muy improbables.

El autor hace una comparación ante el arte de Andy Warhool, ¿es su arte diferente a las latas de un supermercado?; así este se haya realizado con un ejercicio laborioso de hojalatería, no hace que estos objetos asciendan en su categoría artística, simplemente por el mero hecho de no entrar en la categoría de ser un objeto único e irrepetible, lo que el arte actual no lo es.

Todas estas nuevas manifestaciones del arte nos permiten replantear el concepto de arte, ¿Es posible que una simple transfiguración del objeto permita que este se convierta en obra de arte?

Esto tal vez marcaría como un final del arte tradicional, aunque no quiere decir que se ha pasado a ser una especie de conciencia de sí misma del objeto y se ha su manera y en su propia filosofía. De repente esta nueva tendencia en el arte se desarrolló de tal manera que necesita de su concepto, es decir de su propia conciencia para auto reconocerse.

No podemos dejar atrás a aquel arte que le atribuyen su paternidad, ya que este fue el que nos ayudó fundar teorías en las que podemos determinar en que pintura es negra y nada más, como las teorías del universo y sus constelaciones, el universo sigue en una constante evolución, sin embargo, hay vestigios que nos ayudan a ver su origen lo que nos permite plantear un teoría.

Nuestra teoría del arte, nos permite separar objetos del mundo igual y hacerlos formar parte de un mundo diferente, el mundo de los objetos interpretados. Lo que nos da a pensar que estas interpretaciones simplemente son un juego de palabras que tratan de disfrazar la verdadera realidad. Estos nuevos experimentos artísticos incumplen las características que se podría decir que limitan los géneros, lo cual hace que sea aún más difícil apara entenderlas, como la pintura abstracta. Esto es dado por el fenómeno de los homólogos indiscernibles, que parte de distintos ordenes ontológicos, y esto surge cuando al menos uno de estos elementos a confundir tienen una propiedad representativa, lo cual nos plantea otra cuestionante, ‘como diferenciamos las obras de arte de los demás representaciones?

Lo que nos permite replantear si una obra de arte es exactamente igual a lo cotidiano ¿que la diferencia de ello?

El medio no es el mensaje, sino la forma de como se da el mensaje, y los artistas consientes de la estructura de los medios de comunicación, lo toman como un recurso estilístico. Lo cual marca la diferencia de cualquier representación no sea obra de arte. Cualquier representación que no sea una obra de arte puede corresponder con alguna que lo sea, residiendo la diferencia en el hecho de que la obra de arte utiliza el modo de presentación del contenido del objeto no artístico para plantear como se presenta el mismo, esto quiere decir que el artista actual saca a los objetos comunes de su contexto y los transfigura en un nuevo contexto para ellos denominado “arte”; Delimitando lo que se pueda catalogar como bello, ya que si buscamos un predicado estético de la obra, nos encontramos con el contenido o concepto de esta, es por ello que en vez de reaccionar ante la obra, reaccionamos a aquello que trata la obra. La gama de predicamentos estéticos es sumamente extensa, lo que es bello para alguno, no lo es para otro.

El lenguaje que empleamos para describir una obra de arte no es muy distinto al que estamos empleando un lenguaje corriente. Sin embargo existen términos que se aplican a las obras de arte y no a las meras cosas, como ejemplo claroscuro, son términos técnicos. Son notables por el hecho de que carecen de un valor en su uso. Lo que surge una nueva teoría de lo opaco, se trata de que las obras son simplemente del material que están hechos, por lo cual, tienen que ser descritas con un lenguaje simple.

Es posible catalogar los objetos que se crean actualmente como arte, cual es el límite entre arte y lo común. Sin embargo es distinto el mundo o la visión propia de este dependiendo del ser humano que lo mire, el arte es un mar de intrigas en el cual pueden llegar a formar o arte hasta el más banal de los objetos, si tiene un medio y un sentido distinto y magnifico del que lo describa y lo saque de lo común.

RESUMEN

DEVENIR HISTÓRICO

- Duchamp fue el primero en sentar el precedente histórico y artístico. Transformó los objetos de uso cotidiano.

-Anteriormente los objetos estaban sumergidos en la cotidianidad.

-Luego, cuando fueron transformados, surgieron interrogantes sobre su contemplación estética.

-¿Por qué las cajas de brillo de Warhol eran obras de arte, mientras que sus banales homólogos, en los almacenes y supermercados de toda la cristiandad, no lo eran?

Alguna definición debe acompañar a las cajas de brillo, para que estas sean consideradas como tal.Sin embargo el problema en sí surge de la misma definición del arte.Las cajas de brillo de Andy Warhol, convierten en irrelevantes las definiciones tradicionales de arte. Por lo cual se ve la necesidad de la teorización del arte. De esta manera las obras pueden ser identificadas como arte o no. Dado que nada es una obra de arte, sin que se la constituya como tal.

“Porque es un rasgo característico de toda clase de objetos, de los cuales las obras de arte componen un subconjunto, que son lo que son porque son interpretados como lo son. En la medida en que no todos los miembros de esta categoría son obras de arte. No todas las interpretaciones, son interpretaciones artísticas”

OBRAS DE ARTE Y MERAS REPRESENTACIONES

Los mismos problemas pueden surgir en todos los ámbitos del arte. Para ello se puede considerar un homólogo material común.

Ejemplo: Guía telefónica de Manhattan.

Interpretaciones:
Como una novela, argumento exiguo. Se podría mirar la última página para comprobar si se ha seguido un formato tradicional. Además el autor podría mencionar en todo caso, que el final y el principio están donde quiera el lector.

Como un poema, el autor no ha utilizado muchos verbos.

Como pieza escultórica, se la estudia en sus tres dimensiones. Se puede mencionar que el artista ha utilizado materiales reciclados.

Como una obra musical, se podría observar que no se puede materializar.

HOMÓLOGOS INDISCERNIBLES

El problema en sí se basa en el fenómeno de los homólogos indiscernibles que pertenecen a distintos órdenes ontológicos y que tan solo surge cuando uno de los elementos a confundir tiene una cualidad representativa, en que al menos uno de los homólogos remite a algo, o tiene un contenido, un tema o un significado.

Distintas series de reglas y convenciones asignan distintas estructuras a homólogos que, de no ser así, serían indiscernibles, aunque de entrada se consideren representativos.

DEBIDO A LA CONDICIÓN REPRESENTATIVA DE UNO DE LOS CONJUNTOS ESTE POSEERÁ PROPIEDADES ESTRUCTURALES DE LAS QUE CARECE SU HOMÓLOGO O REPRESENTATIVO.

Identidad de los indiscernibles

Se llama identidad de los indiscernibles, o a veces también ley de Leibniz, a una variedad de principios filosóficos,principalmente:

1. Si dos objetos a y b comparten todas sus propiedades, entonces a y b son idénticos, es decir, son el mismo objeto.

2. Si dos objetos a y b comparten todas sus propiedades cualitativas, entonces a y b son idénticos.

3. Si dos objetos a y b comparten todas sus propiedades cualitativas no relacionales, entonces a y b son idénticos.

Intuitivamente, una propiedad cualitativa es una propiedad intrínseca a los objetos, que puede ser instanciada por más de un objeto y que no involucra una relación con ningún otro objeto particular. Por ejemplo, la propiedad de ser blanco. Sin embargo, no toda propiedad cualitativa es no relacional, porque algunas propiedades relacionales no implican una relación con un objeto particular. Por ejemplo, la propiedad de estar sobre una mesa cualquiera.

La identidad (numérica) se nos presenta 'lingüísticamente' como si de una relación se tratara.2 Sin embargo, hay que destacar un hecho peculiar: el discurso de la identidad, en lo que a su coherencia o, en su caso, en lo que a su contenido informacional se refiere se encuentra en una situación límite, ya que decir de dos objetos que son el mismo resulta siempre una 'incoherencia', mientras que decir de un objeto que es idéntico consigo mismo, no sólo es verdadero, sino que puede ser calificado como una trivialidad. No caben casos intermedios cuando interpretamos el enunciado 'a y b son idénticos'.(Txapartegi.).

YUXTAPOSICIÓN

Nelson Goodman, en “Los lenguajes del arte”, efectúa una contraposición asombrosa, compara la curva de un electrocardiograma con la pendiente del Fujiyama, de un dibujo del mismo Hokusai.

Aunque fueran totalmente iguales, Godman, relaciona la validez histórica, y se remite al proceso de creación, para identificar la primera como obra de arte y la otra no. También señala la validez que tiene en la creación artística el grosor de la línea, el color e intensidad de la obra en conjunto.

“Los únicos rasgos relevantes del diagrama son la ordenada y la abscisa de cada uno de los puntos por los que pasa el centro de la línea. El grosor de la línea, su color e intensidad, el tamaño absoluto del diagrama, etc., no tienen ninguna importancia… Para el bosquejo esto no es verdad. Cualquier adelgazamiento o engrosamiento de la línea, su color, su contraste de fondo, su tamaño, incluso las cualidades del papel, nada de eso queda fuera, nada puede ignorarse”. Nelsón Goodman.

En un libro de Erle Loran, llamado “Cézannes Composition”, este resolvió algunas de las estructuras formales de los cuadros del artista, sin embargo, un cuadro de Roy Lichtenstein, se parecía tanto al original, que ocasionó el acuso de plagio, por parte del autor del diagrama.

El cuadro de Lichtenstein remite a la manera que Cézanne pintó a su mujer, remite a la esposa vista por el pintor. Es adecuado mostrar el mundo tal como se le representaba, en forma de zonas etiquetas, una serie de puntos, flechas y rectángulos.

Lo único que se puede demostrar es que cada uno tiene su propio contenido una se refiere al cuadro de CEZANNE y el otro a la visión y a la actitud que tuvo alguien que pinto de esa manera. La obra de LICHTENSTEIN poseía una especie de contenido, ¿pero donde se encuentra la diferencia?. Supongamos que encontramos dos objetos que cuyas características son exactamente iguales y desean identificar pero el uno es obra de arte y el otro no. Lo cual nos pone que el concepto de arte es equivalente al de la pura y simple justicia tal y como J .dice donde el pertinente principio de la justicia exige que todos los iguales sean tratados de manera igual.

Reflexionemos sobre el móvil que inspira en el In cold blood (a sangre fría) de Truman Capote, un texto que fue proclamado en la primera novela no ficticia, una novela filosófica innovadora que se demostraba en contra ejemplo de todas las novelas son ficticias. El autor no invento a diferencia de los otros ningún personaje de la obra, el utilizó lo que se llama periodismo de investigación y así llego a descubrir todo sobre el asesinato. Si este hubiera cambiado algún personaje de la historia esta habría sido ficticia. Lo que separa la ficción de la no ficción, están sutil como lo que separa la prosa de poesía a partir de esto divergen según sus propósitos.

El libro de Capote se interpreta como una novela dada la maestría de su técnica literaria.

Capote usa un medio común en su obra, sin embargo en el caso ha elegido un formato de artículo periodístico, pero tenemos la forma y el artículo de su obra no ficticia la cual no difiere al relato escrito por el provinciano periodista del Newsday, el cual dice que está haciendo solo su trabajo pero capote también dice que solo está haciendo su trabajo, que es hacer “arte”.

Capote quiere plantear que el formato del artículo periodístico es la forma adecuada para exponer los hechos sórdidos como este en mundo inmenso en los medios de comunicación , el medio no es el mensaje , sino la forma en que se da el mensaje, y los artistas consientes de estructura de los medios de comunicación lo toman como un recurso estilístico. La forma del artículo periodístico, a la que le prestamos escasa atención por ser un lugar común de nuestra cultura, es escogida por capote por su banalidad.

Lo cual marca la diferencia cualquier representación que no sea una obra de arte puede corresponderse con alguna que lo sea residiendo la diferencia en el hecho que la obra de arte utiliza el modo de presentación del contenido del objeto no artístico para plantear como se presenta el mismo, desde luego no todas la piezas artísticas parten de confinaciones de objetos no artísticos y si lo hacen son definidas como vanguardistas si la forma del contenido que representan en relación consigo mismo resulta ser algo que deba tenerse en cuenta en el análisis de una obra de arte

La pintura de LICHTENSTEIN tiene muchas propiedades de las que carece el diagrama de Loran , pero la diferencia entre ambas no se puede simplemente establecer en las mismas por ejemplo mucho más grande que su homologo y eta pintado sobre lienzo , y el otro impreso en papel.

No hay nada que nos indique que cada par de propiedades inversas sean una de ellas puedan transformar alguna en una obra de arte. Aquí LICHTENSTEIN se vale de un lenguaje diagramático. Loran no se hace el uso de este lenguaje solo se sirve de ellos (que, puesto que son diagramas, se sitúan en ese idioma) la suya es una contribución a la psicología del arte, no al arte, que dispone de un tipo de criterio por completo diferente y que debe ser resuelto caso por caso a medida que nos abrimos a la estructura de cada obra individual , el principio no podemos producir formulación de valoración artística la cual exige que resolvamos cada obra de arte en términos propios.

El diagrama viene a ser una práctica metafórica de lo que quiere que se muestre los diagramas no expresan nada acerca de lo que manifiestan sino que en tales representaciones no hay lugar para el concepto de expresión. La representación ordinaria con lo que al final la pieza de LICHTENSTEIN tiene algo más rico y diferente que en contenido al diagrama de Lora y la historia no ficticia contiene cierta información sobre el lugar en el que ocupa la cultura en el lenguaje periodístico.

La idea de Sócrates era que la teoría de la imitación no podía distinguir entre representaciones que no fueran obra de arte y las que si permitiendo que las imágenes especulares fueran representaciones. La cuestión no es liquidar una teoría, sino identificar esos elementos que en el ambiente del arte le permiten sobrevivir, la teoría de la imitación logra sus mejores expresiones con Leonardo Da Vinci el cual pone un panel de cristal interpuesto entre el artista y el motivo el contorno del motivo, trazado sobre el cristal reproducirá exactamente el contorno del motivo tal y como se muestra al ojo. El ojo distinguirá sobre el cristal exactamente lo que hubiera distinguido a través del cristal de no haber sido por la intervención de la mano artística por supuesto el principio de identidad entre la representación y el objeto representado solo es exigirle sobre cierta presentación artística teoría de la imitación es una reducción de la obra de arte a su contenido, siendo todo lo demás supuestamente invisible(o si es manifiesto se considera como algo superfluo, superar por una tecnología ilusionista superior) lo que se pretende indicar que esta teoría nos puede servir para distinguir a las obras de arte de sus correspondientes representaciones somos consientes de lo que es una idea por lo tanto el medio es una especie de metafísica para la conciencia, en tanto que nunca forma parte de la imagen pero se sacrifica dejando solo el contenido así la obra de arte es el mensaje y el medio no es nada hay por ejemplo ideologías paralelas en las artes interpretativas cuando el interprete, en plena ejecución de su obra, busca su propia desaparición. Aristóteles y Platón así lo considerasen desde la perspectiva del concepto de medio, como sustancia mediadora y vía de transmisión de artista al espectador. La teoría de la imitación es así considerada después de todo sinónimo del platonismo desde el momento en que los medios son esos estanques y charcos cuyas formas son incapaces de percibir directa y familiarmente mediante un reflejo indirecto es el medio que separa la realidad del arte.

Se busca un predicado estético a la obra, nos encontramos con el contenido de la obra. Ya que la obra en sí misma es aquello de lo que se trata. En un museo, dos artistas han pintado madonnas, reaccionamos ante Rafael y Murillo no ante las madonnas, y no nos damos cuenta de esta experiencia. Se habla de predicados estéticos rutinarios, como lo bello ó es bello, y algunos patrones que utilizamos al momento que empezamos a expresar nuestras propias respuestas a imágenes.Pero al apreciar esta gama de predicados, vemos que pocos atañen el contenido de la obra en sí misma .Entonces se citara un ejemplo con una lista de términos sacado de una crítica de una exposición de dibujos de André Racz. Son dibujos de flores, predicados como pujantes, ligeros, flexibles, profundos, sólidos, angulosos, elocuentes, delicados. Estas palabras pertenecen al mundo del arte. Sería menos manido utilizar términos comunes que el vocabulario común del discurso estético.Es muy claro que los miembros de una comunidad lingüística,rara vez estarían en desacuerdo sobre un término que corresponde a una obra, lo que para uno es pujante otro más astuto sería ampuloso(debilidad disfrazada de fuerza).

Estos términos deben ser entendidos ya que están disfrazados, no solo hay términos que no se apliquen a estos dibujos, si todos los predicados anteriormente mencionados se aplicaran con propiedad.

Al mismo tiempo estos dibujos son ostentosos febriles, infantiles o mecánicos.

Hay términos que se aplican a las obras de arte y no a las meras cosas, o solo por una extensión metafórica como: claroscuro, triforio, cantábile y similares. Solo son términos técnicos que los profesionales utilizan para precisar ciertas diferencias. Todos expresan valores, y no se caracterizan las obras de arte sin examinarlas, la descripción estética y la valoración son una sola cosa. La imagen debe ser diferenciada del motivo, los predicados, solo deben acompañar al motivo. Si las flores son amarillas debemos decir que la imagen que nos muestra este rasgo es de color amarillo. La gama habitual de predicados estéticos que estudian los filósofos es lo bello, hay pinturas bellas y atardeceres bellos. Cualquiera que esté familiarizado con el lenguaje del arte, y desde luego con el lenguaje común que transmite se quedaría perplejo al oír que las meras flores como fluidas, llenas de fuerza o melancólicas. Hay también una gama de predicados que se puede aplicar a la obra de arte más no a los objetos reales, ni a los homólogos materiales de las obras de arte. Con esto el arte quizá nos con lleve a una teoría de la ilusión, nos elogian una ilusión óptica o como nos entran ganas de comérsela o parecen tan dulces que dan ganas de probarlas. Gracias a una técnica ilusionista del artista. Todo lenguaje del arte se vuelve inaplicable en el momento que surge la ilusión. Es por esto que estas flores, esta exposición tuvo la esperanza de que alguna ilusión la convierta en invisible, así los predicados se aplican a dibujos sin contenido. Cada uno tiene una especie de interior y exterior, el interior es el modo en el que el mundo se ofrece, el exterior es como el primero se convierte en objeto en su conciencia. Veremos al mundo dotándonos de un filtro de color a los contenidos de nuestra conciencia.